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Arnulf Rainer，当代艺术I-

Arnulf Rainer * - Zeitgenössische Kunst I-

(born in Baden near Vienna in 1929)
Untitled, “Face Farces”, c. 1970, signed A. Rainer, oil, oil crayon, colour pencil on photograph, 60 x 59.5 cm, framed

Exhibited and illustrated in the catalogue:
Arnulf Rainer, Arte92, Milan, 23 January – 21 March 1992, p. 83

Provenance:
Collection Carlo Monzino
Private Collection, Italy

Voller Wahnwillen wünsche ich mir, daß Irrwelten, Fremdwesen und Neomorphismen meine Bildflächen überschwemmen.
Arnulf Rainer

Full of delusion, I wish for unreal worlds, alien beings and neomorphisms to flood my picture surfaces.
Arnulf Rainer

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Joan Miró: Cahiers d\'Art Nos I-IV (2 works) (Dupin 14 15; Cramer III), 1934
Two pochoirs in colors on wove paper, unsigned as issued, from the edition of 1200, published/printed by Éditions Cahiers d\'art/Imprimerie Crété, Paris, the full sheets, framed. (2 works)
each sheet 12 1/2 x 9 1/2in (31.8 x 24cm)

琼·米尔 Cahiers d’Art Nos I-IV（艺术编号I-IV）

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Joan Miró:Affiche pour l\'Exposition Oeuvre Gravé-Céramiques, Musée de l\'Athénée Genève (Mourlot 332), 1961
Lithograph in colors on Rives paper, signed in pencil and annotated \'H.C.\', an hors commerce (aside from the edition of 100), published by Engelberts, Geneva, printed by Maeght, Paris, the full sheet.

sheet 29 3/4 x 22in (75.5 x 55.8cm)

胡安·米罗 日内瓦雅典娜博物馆陶瓷雕刻作品展览海报

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Joan Miró: Le miroir de l\'homme par les bêtes, André Frénaud (Dupin 566-570), 1972
The complete set of 3 etchings and aquatints with carborundum in colors on Bristol paper, signed in pencil by the artist on part of the justification page, framed together; accompanied by 2 etchings on wove paper, signed in pencil by the poet André Frénaud on the other part of justification page, numbered 96 (from the total edition of 225), each published/printed by Adrien Maeght, Paris, with text, collaged chemise and linen-covered box. (5 works)
sizes various
overall 31 x 47 1/2in (78.8 x 120.65)

琼·米尔 人的镜子由BTes，Andr英语诺德

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Alfons Walde-现代-

Alfons Walde * - Moderne-

(Oberndorf 1891–1958 Kitzbühel)
„Einsamer Berghof“, ca. 1935, signiert A. Walde, Öl auf Karton, 43 x 71 cm, Orig.-Rahmen

Verzeichnet:
Archiv Alfons Walde

Provenienz:
direkt vom Künstler erworben
Privatsammlung, Kitzbühel
im Erbgang an den jetzigen Besitzer

Ausstellung:
Das Gemälde war in den letzten zehn Jahren als Leihgabe in der ständigen Sammlung des Alfons-Walde-Museums in Kitzbühel ausgestellt.

Der „Einsame Berghof“ mit seinem im gleißenden Schnee ruhenden Bauernhaus und der Staffage einer Mutter mit Kind zählt zu den einfühlsamsten Bildmotiven Alfons Waldes in den frühen 1930er Jahren. Charakteristisch ist die weiche, zum Teil pastos trockene Malweise, die differenzierte Farbnuancen und unterschiedliche plastische Ausformungen erzielt. Das warme, ungebrochene Licht des späten Winters unterstreicht die Haptik der Dinge, sanft gleitende Schatten modellieren und beleben die klangvolle Ruhe dieser Naturbetrachtung. Räumliche Tiefe vermittelt der Blick in eine Landschaftsmulde und hinüber auf einen hoch aufsteigenden Berghang, zugedeckt von Schneefeldern, dessen Farbe sich mit dem Tageslicht vom hellen Weiß zum zarten Rosa der Dämmerung reizvoll verändert.

„Die Werke anderer Maler interessieren mich immer weniger. Ich habe nichts zu gewinnen. Mir bleibt nur die Natur als Vorbild.“

Alfons Walde 1925

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费尔南多·莱格尔-现代-

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(Argentan 1881–1955 Gif-sur-Yvette)
Étude pour “Les Constructeurs”, 1952, mit Initialen signiert und datiert, Gouache auf Papier, 22,5 x 28,5 cm, gerahmt

Das Werk ist beim Comité Léger, Paris, registriert. Eine Echtheitsbestätigung liegt bei.
Die vorliegende Gouache wird in das in Vorbereitung befindliche, vom Comité Léger herausgegebene Werkverzeichnis aufgenommen.

Das Thema der Bauarbeiter ist eines der bekanntesten Projekte der 1940er und frühen 1950er Jahre, als es zum Hauptthema von Légers Arbeit wurde.
Léger selbst hat berichtet, wie er zu diesem Thema kam: „Die Idee kam mir, als ich jeden Abend mit dem Auto nach Chevreuse fuhr. Dort war auf dem Feld eine Fabrik im Bau. Ich sah die Männer, die hoch oben auf den Stahlträgern schwankten! Ich sah den Menschen wie einen Floh: Er schien immer noch in seinen Erfindungen versunken zu sein, während der Himmel über ihm war. Das wollte ich darstellen, den Kontrast zwischen dem Menschen und seinen Erfindungen, zwischen dem Arbeiter und der ganzen Metallarchitektur, dieser Härte, diesem Eisenwerk, diesen Bolzen und Nieten. Auch die Wolken habe ich technisch arrangiert, aber sie bilden einen Kontrast zu den Trägern“.
Fernand Léger in: Werner Schmalenbach, Fernand Léger, New York, 1976, Seite 158.

Die vorliegende Studie ist dem oberen Teil des großformatigen Gemäldes „Les Constructeurs“, 1951, („Die Bauarbeiter“) in der Sammlung des Puschkin-Museums der Schönen Künste in Moskau entnommen.

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BENOIS, ALEXANDRE. 1870-1960.:Costume design of Monsieur Jourdain, for the Balanchine ballet of Molière\'s Le Bourgeois Gentilhomme, produced by the Ballets Russes de Monte-Carlo, 1932, watercolor, ink and graphite, 308 x 193 mm (12 1/8 x 7 1/2 inches), signed by Benois in pencil in lower left corner.

Benois founded the Mir iskusstva [World of Art] group with Sergei Diaghilev and was one of the most important designers of the Ballets Russes, second only to Léon Bakst. His best known sets and costumes were done for the original production of the Stravinsky ballet Petrouchka (1911) based on his idea. Benois emigrated to France in 1927 and continued to work for the theater in Paris, Milan, London, New York and elsewhere. Both Benois and Balanchine were associated with the Ballets Russes de Monte-Carlo, the successor to the original Ballets Russes, that formed after Diaghilev\'s death in 1932. Balanchine revived his ballet in 1979 for the New York City Opera with the assistance of Jerome Robbins and Peter Martins and Rudolph Nureyev in his first Balanchine production. Sold with 3 additional costume designs, two from an unknown artist, and one in pencil attributed to Georgii Yakulov.

亚历山大，贝努瓦。1870-1960. Jourdain先生为莫里哀（Molière）的《布尔乔亚传奇》（Le Bourgeois Gentilhome）巴兰钦芭蕾舞团的服装设计，由蒙特卡洛芭蕾舞团（Russe de Monte Carlo）于1932年制作，

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RUSSIAN ART JOURNAL.:Zhar-Ptitsa/Jar-Ptitza [The Firebird]. Paris and Berlin: Russkoe Iskusstvo, August 1921-January 1926. 14 issues in 13 volumes (No. 4/5 double issue). 4to (315 x 240 mm). Illustrated in color and black and white, with many plates tipped in. Original color lithographed wrappers. Some issues missing spines with pages detached; internal tears and some loss.

A COMPLETE SET OF THE RARE RUSSIAN EMIGRE LITERARY ART MAGAZINE IN ORIGINAL ISSUES, reportedly no more than 300 copies were printed. Supplemental summaries of the numbers were provided in the back in a variety of languages including English. Zhar-ptitsa was the most influential art journal of the flourishing community of exiles who were feverishly trying to keep the culture of Old Russia alive. Due to paper shortages and extensive censorship by the Bolsheviks back in the USSR, the Russian book business was booming in Germany and France. This lavish periodical was the natural successor to S. Diaghilev\'s Mir iskusstva since many of those involved had been members of the World of Art Group and designers for the Ballets Russes. The rich selection subjects and contributors under A. E. Kogan\'s art department embraced L. Bakst, A. Benois, I. Bilibin, M. Chagall, S. Chekhonin, N. Goncharova, B. Grigoriev, B. Kustodiev, M. Larionov, V. Shukaev, K. Somov, S. Sudeikin and many other important artists. Poet Sasha Cherny was literary editor; and such important writers as L. Andreev, K. Balmont, I. Bunin, V. Khodasevich, B. Pilnyak, A. Remizov, N. Teffi, A.N. Tolstoi, B. Zaitsev, and the young Vladimir Nabokov (as \"V. Sirin\") appeared in its pages. Fekula called Zhar-ptitsa \"perhaps the most famous of post-revolutionary art journals, whose contributors threw new light on the development of Russian art at the beginning of the twentieth century.\" According to Vengerov, \"Even separate issues of the magazine, let alone complete sets of its issues, are a great bibliographic rarity.\" Fekula 5742; Vengerov Staraya russkaya kniga 105.

俄罗斯艺术杂志。 Zhar Ptitsa/Jar Ptitsa[火鸟]。巴黎和柏林：Russkoe Iskustvo，1921年8月至1926年1月。

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Alexej von Jawlensky-现代-

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(Torschok 1864–1941 Wiesbaden)
Variation, Winter, 1915, Nr. 54, monogrammiert A. J., Öl auf strukturiertem Leinenpapier, 36,2 x 27,2 cm, auf Karton, 44,7 x 33,7 cm, auf der Rückseite signiert, datiert, bezeichnet A. Jawlensky, 1915, Nr. 54 (verblasst), Winter L (durchgestrichen) mit orangefarbenem Farbstift, rechts unten 316. Stempel Dr. Joseph Drexel Nürnberg Marienplatz 5, nummeriert 6 in orange von Lisa Kümmel und Nr. 316 in blauem Farbstift von anderer Hand, gerahmt

Mit Ausbruch des Ersten Weltkriegs war Jawlensky als russischer Staatsangehöriger gezwungen gemeinsam mit seiner Familie aus Deutschland zu fliehen. Binnen kürzester Zeit mussten Leben und Besitztümer zurückgelassen werden. Die Familie fand Zuflucht in Saint Prex am Genfersee. Vom turbulenten Luxusleben, das ihm durch seine Mäzenin Marianne von Werefkin zuvor ermöglicht wurde, ging es recht plötzlich in eine politisch erzwungene Isolation.
Der Blick aus dem Fenster, auf eine Welt, die sich ohne ihn weiterdrehte, wurde sein Motiv für die Werkserie aus der auch Variation: Winter, 1915 N.54 stammt. Die Veränderungen der Natur über die Jahreszeiten hinweg, aber auch die Veränderung der Gemütslage Jawlenskys aufgrund des anhaltenden Exils werden in der Werkserie sichtbar. Mit fortschreitender Zeit entwickelt sich sein expressionistischer Ausdruck immer weiter heraus. Mit den ›Variationen über ein landschaftliches Thema‹ bildet Jawlensky sein künstlerisches Schaffen enorm fort und setzt Maßstäbe für seine späteren Porträts, die ›Abstrakten Köpfe‹.
Variation: Winter, 1915 N.54 ist Teil einer bedeutenden Reihe im Oeuvre des Malers. Jawlensky nutzte das Exil und die soziale Isolation, für seine künstlerische Weiterentwicklung und schaffte mit den wenigen vorhandenen Möglichkeiten eine neue Ära in seinem Werk. Die auferlegte Isolation, der Blick aus dem Fenster als einziges Erlebnis im Alltag erinnern sehr an die Auswirkungen der derzeitig anhaltenden Pandemie. Jawlensky überdauerte diese schwierige Zeit und fand Zuflucht in der Kunst.
Die ›Variationen über ein landschaftliches Thema‹ sind ein Beweis für die Beharrlichkeit des Menschen, der in der Lage ist, auch länger anhaltende schwierige Zeiten zu überdauern und daraus zu lernen. Variation: Winter, 1915 N.54 ist ein Zeichen einer solchen Zeit und ein Beispiel für einen erfolgreichen persönlichen Umgang mit Krisensituationen – und darüber hinaus eine farbenfrohe leuchtende Ansicht im Kleinformat als Hoffnungsschimmer.

„Anfangs wollte ich in St. Prex weiterarbeiten, wie ich in München gearbeitet hatte. Aber etwas in meinem Inneren erlaubte mir nicht, die farbigen, sinnlichen, Bilder zu malen. Meine Seele war durch vieles Leiden anders geworden, und das verlangte andere Formen und Farben zu finden, um das auszudrücken, was meine Seele bewegte. Ich fing an, meine sogenannten ›Variationen über ein landschaftliches Thema‹, die ich vom Fenster aus sah, zu malen. Und das waren ein paar Bäume, ein Weg und der Himmel.“

(Jawlensky, Lebenserinnerungen, 1937)

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胡里奥·勒帕克，当代艺术I-

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(Mendoza, Argentinien 1928 geb., lebt und arbeitet in Paris)
Continuel Mobile Rouge Vert, 1969, rückseitig auf einem Aufkleber signiert, Aluminium, Nylon und Kunststoff, 100 x 100 x 8,5 cm

Wir danken dem Atelier Le Parc für die Bestätigung der Authentizität dieses Werkes.

Der Künstler Julio Le Parc (geb. 1928) experimentierte mit der kinetischen und konzeptuellen Kunst der 1960er Jahre und gehört so zu den Künstlern der Op-Art, oder Optischen Kunst.

Seine Werke aus den 1960er Jahren zielen darauf ab, den Blick des Betrachters durch den Einsatz beweglicher plastischer Elemente, künstlicher Beleuchtung, beweglicher Materialien und Nylonfäden zu beeinflussen und mit ihm zu interagieren.

Seine kontinuierliche Erforschung der visuellen Wirkung von Kunst führte 1960 zur Gründung der GRAV (Groupe de Recherche d’Art Visuel) in Paris.

Er wurde von der Biennale von Venedig anerkannt und erhielt 1966 den ersten Preis. Die Serie der Continuel Mobile, wie das hier vorgestellte Werk in grün und rot, beschreibt der Künstler 1968 wie folgt: „Diese Kästen halfen mir, mich mit den Problemen auseinanderzusetzen, die mich damals beschäftigten: die Vielfalt der Situationen in ein und derselben Erfahrung, die Begriffe der Bewegung, der Instabilität und der Wahrscheinlichkeit, die Berücksichtigung äußerer Zufälligkeiten im Werk, der Wunsch, mich von der Vorstellung eines stabilen, einmaligen und definitiven Werks zu lösen.

Eine solche Erfahrung lässt sich wie folgt beschreiben. Auf einen weißen Hintergrund (60 x 60 cm) wird in einem Abstand von 5 cm eine weitere weiße Fläche gleicher Größe gelegt. Diese zweite Fläche wird gleichmäßig in 5 x 5 cm große Quadrate geschnitten. Diese Quadrate werden, während sie ihre Position beibehalten, an einem sehr dünnen Nylonfaden vor dem Hintergrund aufgehängt, so dass sie alle möglichen Positionen einnehmen und sich jeweils unabhängig voneinander drehen können. So sind ihre Positionen unbestimmt, ihre Bewegung wird je nach Beschaffenheit der Umgebungsluft langsamer oder schneller und die Beleuchtung verändert sich mit dem Winkel des Lichts [...]“.

Diese Erfahrungen werden visuell in eine immer andere und doch immer gleiche Situation übersetzt und von Le Parc mit der Absicht entwickelt, den traditionellen, figurativen Kunstbegriff zu entmystifizieren, der in den Mittelpunkt der Debatte und der Problematik gestellt wird, die versucht, gesellschaftliche Haltungen zu hinterfragen.

„Wir möchten, ohne Anspruch auf konzeptionelle oder theoretische Genauigkeit, einige Aspekte unserer Position und unserer Tätigkeit einfach und klar darlegen. Es sei darauf hingewiesen, dass unsere Arbeit keinen Anspruch auf Absolutheit und Endgültigkeit erhebt. Unser Hauptanliegen ist es, uns in der zeitgenössischen Kunst zu verorten, wobei wir uns bewusst sind, dass plastische Kunst eine soziale Konnotation behalten muss [...].

Das Konzept des Kunstwerkes beginnt bei uns zu verschwinden. Wir versuchen einfach, mit klaren und objektiven Mitteln die tatsächliche menschliche Erfahrung zu visualisieren [...].

Was die praktische Umsetzung betrifft, so wird eine immaterielle Ebene betont, die zwischen dem Werk (oder der Erfahrung) und dem menschlichen Auge existiert. Jedes Kunstwerk ist vor allem eine visuelle Präsenz. Wir erkennen den visuellen Dialog zwischen Wesen und Objekt. Der Platz, den wir der Existenz der plastischen Tatsache einräumen, liegt weder in der vorgefassten emotionalen Vermutung des Seins, noch in der technischen Realisierung des Werks selbst, sondern in der Konjugation von Sein und Objekt auf einer äquidistanten visuellen Ebene“.

Julio Le Parc, Elimina la parola „Arte”, 1960