图片文件尺寸 : 4517 x 5403px
Abiodun Olaku:Evening enterprise
2008
signé et daté \"Olaku A.O \'08\" en bas à droite; signé, daté, titré et situé au revers
huile sur toile
signed and dated \"Olaku A.O \'08\" lower right; signed, dated, titled and situated on the reverse
oil on canvas
75 x 90 cm.
29 1/2 x 35 7/16 in.
Abiodun Olaku 无 题
图片文件像素：5844 x 5142 px
马格努斯·普莱森，当代艺术I-
Magnus Plessen * - Zeitgenössische Kunst I-
(born in Hamburg 1967)
Untitled, 2009, signed, dated, titled on the overlap Plessen 2009, oil on canvas, 117 x 89 cm, on stretcher
Provenance:
Mai 36 Galerie, Zurich (gallery label)
Private collection, 德国y - acquired from the above
Literature:
Uta Grosenick and Daniel Marzona (Eds.): Magnus Plessen. Die Augen in der Hand. Malerei 1999-2009. 100 Bilder, Cologne 2009, cat.-no. 93, with full page color illustration on p. 47
From a background as a photographer and filmmaker, Magnus Plessen has turned himself into one of the most well-known painters of our time. His unique composition technique and reduced visual language as well as the broad stroke of his palette knife lets his artworks play along the boundary of the abstract and the figurative. The characteristics of Plessen’s paintings lie in their systematic development of an image, constructed by adding and removing sections of paint to reveal passages of compact form and negative space. The artist uses the idea of rotation as a means of reordering structure and dimensionality within the painting.
“It’s literally moving away from you. The relationship of the viewer to the painting and the attempt to achieve some kind of loosening is something that physically takes place in my mind but is also an action in the process of making.” (ibid.)
The artwork being auctioned here resembles this situation. Uncoordinated objects and colour fields seem to float through the canvas. As a viewer you recognize some familiar objects such as the hand or the cable and are able use them as fixed points to create your own first-hand impression of the artwork.
“I don’t want to link painting back to the reality that we know. I would like to link it to an unknown place. So, what could that place look like? It’s light, it’s colour, it’s different forces that hold the objects which are readily recognisable in my paintings together. Hold them in place, in position, give them a place. I normally tend to bring the same objects or body parts to the canvas, e.g. hands, feet or fruit. I think it’s important to bring these familiar things that I deploy onto the empty canvas. I think you need something familiar in an unfamiliar place. It just makes it so much easier to move and find your way through that space.”
(Magnus Plessen on the exhibition: Riding the Image, White Cube, Mason’s Yard, 14.9.-10.11.2012)
From a background as a photographer and filmmaker, Magnus Plessen has turned himself into one of the most well-known painters of our time. His unique composition technique and reduced visual language as well as the broad stroke of his palette knife lets his artworks play along the boundary of the abstract and the figurative. The characteristics of Plessen’s paintings lie in their systematic development of an image, constructed by adding and removing sections of paint to reveal passages of compact form and negative space. The artist uses the idea of rotation as a means of reordering structure and dimensionality within the painting.
“It’s literally moving away from you. The relationship of the viewer to the painting and the attempt to achieve some kind of loosening is something that physically takes place in my mind but is also an action in the process of making.” (ibid.)
The artwork being auctioned here resembles this situation. Uncoordinated objects and colour fields seem to float through the canvas. As a viewer you recognize some familiar objects such as the hand or the cable and are able use them as fixed points to create your own first-hand impression of the artwork.
图片文件尺寸 : 5163 x 5291px
KIRCHER, ATHANASIUS. 1602-1680. :Romani Collegii Societatus Jesu Musaeum Celeberrimum. Amsterdam: Janssonius van Waesberge, 1678.
Folio (375 x 260 mm). Engraved additional title, engraved portrait of Kircher, 17 engraved plates (9 folding), 4 engravings and numerous woodcuts to text, initials, tailpieces. Later half vellum and boards; few stray pen marks to rear cover, margins of text toned and spotted, final few leaves foxed.
FIRST EDITION of the first catalogue of the Museo Kircheriano at the Roman College, a detailed inventory of Kircher\'s cabinet of curiosities of Chinese and Egyptian antiquities, scientific instruments, optical devices and ancient musical instruments. Kircher \"was in an excellent situation, at the hub of the Jesuit order, to gather relics, specimens, manuscripts, and any other oddities or rarities his fellow Jesuits brought back to Rome from all parts of the world ... In 1678 , the Museo Kircheriano was at its peak, with a new exhibit hall and a printed catalogue\" (Merrill, p xxvii). A second catalogue was published in 1709 followed by a long period of decline in the maintenance of the collection. Much of Kircher\'s collection was eventually incorporated into the Museo Nazionale. Caillet 5784.
阿塔纳修斯·基尔彻。1602-1680. Romani Collegii Societatus Jesu Museum Celeberrrimum。阿姆斯特丹：Janssonius van Waesberge，1678年。
图片文件像素：4600 x 3500 px
胡里奥·勒帕克，当代艺术I-
-
(Mendoza, Argentinien 1928 geb., lebt und arbeitet in Paris)
Continuel Mobile Rouge Vert, 1969, rückseitig auf einem Aufkleber signiert, Aluminium, Nylon und Kunststoff, 100 x 100 x 8,5 cm
Wir danken dem Atelier Le Parc für die Bestätigung der Authentizität dieses Werkes.
Der Künstler Julio Le Parc (geb. 1928) experimentierte mit der kinetischen und konzeptuellen Kunst der 1960er Jahre und gehört so zu den Künstlern der Op-Art, oder Optischen Kunst.
Seine Werke aus den 1960er Jahren zielen darauf ab, den Blick des Betrachters durch den Einsatz beweglicher plastischer Elemente, künstlicher Beleuchtung, beweglicher Materialien und Nylonfäden zu beeinflussen und mit ihm zu interagieren.
Seine kontinuierliche Erforschung der visuellen Wirkung von Kunst führte 1960 zur Gründung der GRAV (Groupe de Recherche d’Art Visuel) in Paris.
Er wurde von der Biennale von Venedig anerkannt und erhielt 1966 den ersten Preis. Die Serie der Continuel Mobile, wie das hier vorgestellte Werk in grün und rot, beschreibt der Künstler 1968 wie folgt: „Diese Kästen halfen mir, mich mit den Problemen auseinanderzusetzen, die mich damals beschäftigten: die Vielfalt der Situationen in ein und derselben Erfahrung, die Begriffe der Bewegung, der Instabilität und der Wahrscheinlichkeit, die Berücksichtigung äußerer Zufälligkeiten im Werk, der Wunsch, mich von der Vorstellung eines stabilen, einmaligen und definitiven Werks zu lösen.
Eine solche Erfahrung lässt sich wie folgt beschreiben. Auf einen weißen Hintergrund (60 x 60 cm) wird in einem Abstand von 5 cm eine weitere weiße Fläche gleicher Größe gelegt. Diese zweite Fläche wird gleichmäßig in 5 x 5 cm große Quadrate geschnitten. Diese Quadrate werden, während sie ihre Position beibehalten, an einem sehr dünnen Nylonfaden vor dem Hintergrund aufgehängt, so dass sie alle möglichen Positionen einnehmen und sich jeweils unabhängig voneinander drehen können. So sind ihre Positionen unbestimmt, ihre Bewegung wird je nach Beschaffenheit der Umgebungsluft langsamer oder schneller und die Beleuchtung verändert sich mit dem Winkel des Lichts [...]“.
Diese Erfahrungen werden visuell in eine immer andere und doch immer gleiche Situation übersetzt und von Le Parc mit der Absicht entwickelt, den traditionellen, figurativen Kunstbegriff zu entmystifizieren, der in den Mittelpunkt der Debatte und der Problematik gestellt wird, die versucht, gesellschaftliche Haltungen zu hinterfragen.
„Wir möchten, ohne Anspruch auf konzeptionelle oder theoretische Genauigkeit, einige Aspekte unserer Position und unserer Tätigkeit einfach und klar darlegen. Es sei darauf hingewiesen, dass unsere Arbeit keinen Anspruch auf Absolutheit und Endgültigkeit erhebt. Unser Hauptanliegen ist es, uns in der zeitgenössischen Kunst zu verorten, wobei wir uns bewusst sind, dass plastische Kunst eine soziale Konnotation behalten muss [...].
Das Konzept des Kunstwerkes beginnt bei uns zu verschwinden. Wir versuchen einfach, mit klaren und objektiven Mitteln die tatsächliche menschliche Erfahrung zu visualisieren [...].
Was die praktische Umsetzung betrifft, so wird eine immaterielle Ebene betont, die zwischen dem Werk (oder der Erfahrung) und dem menschlichen Auge existiert. Jedes Kunstwerk ist vor allem eine visuelle Präsenz. Wir erkennen den visuellen Dialog zwischen Wesen und Objekt. Der Platz, den wir der Existenz der plastischen Tatsache einräumen, liegt weder in der vorgefassten emotionalen Vermutung des Seins, noch in der technischen Realisierung des Werks selbst, sondern in der Konjugation von Sein und Objekt auf einer äquidistanten visuellen Ebene“.
Julio Le Parc, Elimina la parola „Arte”, 1960
图片文件尺寸 : 4517 x 5403px
Abiodun Olaku:Evening enterprise
2008
signé et daté \"Olaku A.O \'08\" en bas à droite; signé, daté, titré et situé au revers
huile sur toile
signed and dated \"Olaku A.O \'08\" lower right; signed, dated, titled and situated on the reverse
oil on canvas
75 x 90 cm.
29 1/2 x 35 7/16 in.
Abiodun Olaku 无 题
图片文件像素：5844 x 5142 px
马格努斯·普莱森，当代艺术I-
Magnus Plessen * - Zeitgenössische Kunst I-
(born in Hamburg 1967)
Untitled, 2009, signed, dated, titled on the overlap Plessen 2009, oil on canvas, 117 x 89 cm, on stretcher
Provenance:
Mai 36 Galerie, Zurich (gallery label)
Private collection, 德国y - acquired from the above
Literature:
Uta Grosenick and Daniel Marzona (Eds.): Magnus Plessen. Die Augen in der Hand. Malerei 1999-2009. 100 Bilder, Cologne 2009, cat.-no. 93, with full page color illustration on p. 47
From a background as a photographer and filmmaker, Magnus Plessen has turned himself into one of the most well-known painters of our time. His unique composition technique and reduced visual language as well as the broad stroke of his palette knife lets his artworks play along the boundary of the abstract and the figurative. The characteristics of Plessen’s paintings lie in their systematic development of an image, constructed by adding and removing sections of paint to reveal passages of compact form and negative space. The artist uses the idea of rotation as a means of reordering structure and dimensionality within the painting.
“It’s literally moving away from you. The relationship of the viewer to the painting and the attempt to achieve some kind of loosening is something that physically takes place in my mind but is also an action in the process of making.” (ibid.)
The artwork being auctioned here resembles this situation. Uncoordinated objects and colour fields seem to float through the canvas. As a viewer you recognize some familiar objects such as the hand or the cable and are able use them as fixed points to create your own first-hand impression of the artwork.
“I don’t want to link painting back to the reality that we know. I would like to link it to an unknown place. So, what could that place look like? It’s light, it’s colour, it’s different forces that hold the objects which are readily recognisable in my paintings together. Hold them in place, in position, give them a place. I normally tend to bring the same objects or body parts to the canvas, e.g. hands, feet or fruit. I think it’s important to bring these familiar things that I deploy onto the empty canvas. I think you need something familiar in an unfamiliar place. It just makes it so much easier to move and find your way through that space.”
(Magnus Plessen on the exhibition: Riding the Image, White Cube, Mason’s Yard, 14.9.-10.11.2012)
From a background as a photographer and filmmaker, Magnus Plessen has turned himself into one of the most well-known painters of our time. His unique composition technique and reduced visual language as well as the broad stroke of his palette knife lets his artworks play along the boundary of the abstract and the figurative. The characteristics of Plessen’s paintings lie in their systematic development of an image, constructed by adding and removing sections of paint to reveal passages of compact form and negative space. The artist uses the idea of rotation as a means of reordering structure and dimensionality within the painting.
“It’s literally moving away from you. The relationship of the viewer to the painting and the attempt to achieve some kind of loosening is something that physically takes place in my mind but is also an action in the process of making.” (ibid.)
The artwork being auctioned here resembles this situation. Uncoordinated objects and colour fields seem to float through the canvas. As a viewer you recognize some familiar objects such as the hand or the cable and are able use them as fixed points to create your own first-hand impression of the artwork.
图片文件尺寸 : 5163 x 5291px
KIRCHER, ATHANASIUS. 1602-1680. :Romani Collegii Societatus Jesu Musaeum Celeberrimum. Amsterdam: Janssonius van Waesberge, 1678.
Folio (375 x 260 mm). Engraved additional title, engraved portrait of Kircher, 17 engraved plates (9 folding), 4 engravings and numerous woodcuts to text, initials, tailpieces. Later half vellum and boards; few stray pen marks to rear cover, margins of text toned and spotted, final few leaves foxed.
FIRST EDITION of the first catalogue of the Museo Kircheriano at the Roman College, a detailed inventory of Kircher\'s cabinet of curiosities of Chinese and Egyptian antiquities, scientific instruments, optical devices and ancient musical instruments. Kircher \"was in an excellent situation, at the hub of the Jesuit order, to gather relics, specimens, manuscripts, and any other oddities or rarities his fellow Jesuits brought back to Rome from all parts of the world ... In 1678 , the Museo Kircheriano was at its peak, with a new exhibit hall and a printed catalogue\" (Merrill, p xxvii). A second catalogue was published in 1709 followed by a long period of decline in the maintenance of the collection. Much of Kircher\'s collection was eventually incorporated into the Museo Nazionale. Caillet 5784.
阿塔纳修斯·基尔彻。1602-1680. Romani Collegii Societatus Jesu Museum Celeberrrimum。阿姆斯特丹：Janssonius van Waesberge，1678年。
图片文件像素：4600 x 3500 px
胡里奥·勒帕克，当代艺术I-
-
(Mendoza, Argentinien 1928 geb., lebt und arbeitet in Paris)
Continuel Mobile Rouge Vert, 1969, rückseitig auf einem Aufkleber signiert, Aluminium, Nylon und Kunststoff, 100 x 100 x 8,5 cm
Wir danken dem Atelier Le Parc für die Bestätigung der Authentizität dieses Werkes.
Der Künstler Julio Le Parc (geb. 1928) experimentierte mit der kinetischen und konzeptuellen Kunst der 1960er Jahre und gehört so zu den Künstlern der Op-Art, oder Optischen Kunst.
Seine Werke aus den 1960er Jahren zielen darauf ab, den Blick des Betrachters durch den Einsatz beweglicher plastischer Elemente, künstlicher Beleuchtung, beweglicher Materialien und Nylonfäden zu beeinflussen und mit ihm zu interagieren.
Seine kontinuierliche Erforschung der visuellen Wirkung von Kunst führte 1960 zur Gründung der GRAV (Groupe de Recherche d’Art Visuel) in Paris.
Er wurde von der Biennale von Venedig anerkannt und erhielt 1966 den ersten Preis. Die Serie der Continuel Mobile, wie das hier vorgestellte Werk in grün und rot, beschreibt der Künstler 1968 wie folgt: „Diese Kästen halfen mir, mich mit den Problemen auseinanderzusetzen, die mich damals beschäftigten: die Vielfalt der Situationen in ein und derselben Erfahrung, die Begriffe der Bewegung, der Instabilität und der Wahrscheinlichkeit, die Berücksichtigung äußerer Zufälligkeiten im Werk, der Wunsch, mich von der Vorstellung eines stabilen, einmaligen und definitiven Werks zu lösen.
Eine solche Erfahrung lässt sich wie folgt beschreiben. Auf einen weißen Hintergrund (60 x 60 cm) wird in einem Abstand von 5 cm eine weitere weiße Fläche gleicher Größe gelegt. Diese zweite Fläche wird gleichmäßig in 5 x 5 cm große Quadrate geschnitten. Diese Quadrate werden, während sie ihre Position beibehalten, an einem sehr dünnen Nylonfaden vor dem Hintergrund aufgehängt, so dass sie alle möglichen Positionen einnehmen und sich jeweils unabhängig voneinander drehen können. So sind ihre Positionen unbestimmt, ihre Bewegung wird je nach Beschaffenheit der Umgebungsluft langsamer oder schneller und die Beleuchtung verändert sich mit dem Winkel des Lichts [...]“.
Diese Erfahrungen werden visuell in eine immer andere und doch immer gleiche Situation übersetzt und von Le Parc mit der Absicht entwickelt, den traditionellen, figurativen Kunstbegriff zu entmystifizieren, der in den Mittelpunkt der Debatte und der Problematik gestellt wird, die versucht, gesellschaftliche Haltungen zu hinterfragen.
„Wir möchten, ohne Anspruch auf konzeptionelle oder theoretische Genauigkeit, einige Aspekte unserer Position und unserer Tätigkeit einfach und klar darlegen. Es sei darauf hingewiesen, dass unsere Arbeit keinen Anspruch auf Absolutheit und Endgültigkeit erhebt. Unser Hauptanliegen ist es, uns in der zeitgenössischen Kunst zu verorten, wobei wir uns bewusst sind, dass plastische Kunst eine soziale Konnotation behalten muss [...].
Das Konzept des Kunstwerkes beginnt bei uns zu verschwinden. Wir versuchen einfach, mit klaren und objektiven Mitteln die tatsächliche menschliche Erfahrung zu visualisieren [...].
Was die praktische Umsetzung betrifft, so wird eine immaterielle Ebene betont, die zwischen dem Werk (oder der Erfahrung) und dem menschlichen Auge existiert. Jedes Kunstwerk ist vor allem eine visuelle Präsenz. Wir erkennen den visuellen Dialog zwischen Wesen und Objekt. Der Platz, den wir der Existenz der plastischen Tatsache einräumen, liegt weder in der vorgefassten emotionalen Vermutung des Seins, noch in der technischen Realisierung des Werks selbst, sondern in der Konjugation von Sein und Objekt auf einer äquidistanten visuellen Ebene“.
Julio Le Parc, Elimina la parola „Arte”, 1960