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维克多·瓦萨里的战后与当代艺术I-

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（佩克斯，匈牙利1906年至1997年巴黎）
972奥利，1986年，标签、标题、日期和签名，画布上的丙烯酸，100；x；100厘米，镶框。皮埃尔·瓦萨雷利（瓦萨雷利基金会主席、维克多·瓦萨雷利的世界遗产和版权所有者）确认了作品的真实性

这项工作将包括在维克多·瓦萨雷利的开胃菜目录中，该目录目前由普罗旺斯艾克斯瓦萨雷利基金会编制&nbsp

出处：
纽约佳士得，23岁。2005年9月3日，普拉托法塞蒂251号洛杉矶。2011年12月，洛杉矶783号
欧洲私人收藏

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卢西奥·丰塔纳的战后和当代艺术I-

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（阿根廷圣达菲罗萨里奥1899-1968 Comabbio）
康塞托·斯帕齐亚尔，1951年，签名，在抹纸上涂鸦、钻孔和裂缝，59；x；47厘米，镶框这件作品在米兰卢西奥·丰塔纳基金会档案馆注册。包括照片证书

出处：
欧洲私人收藏

展览：摩德纳、卢西奥·丰塔纳、伊尔·迪塞尼奥、城市广场、贾尔迪尼宫，1990年，展览-猫。S.98，第93期

文献：L.M.Barbero，Lucio Fontana，Catalog ragionato delle Oper su carta，第二卷，Skira，S.570，第51期，第42期，带图
当我点击屏幕时“我觉得这对我来说是一个重要的姿态。事实上，这不是一个随机的洞，而是一个有意识的洞：通过在图像中创建一个洞，我在它的空白中发现了一个新的维度。在图像中的洞的帮助下，我发明了第四维度。“丰塔纳，引用并翻译自P.Gottschaller，《卢西奥·丰塔纳：艺术家的材料》，洛杉矶，2012年，第21页

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恩斯特·威廉·内的战后与当代艺术I-

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（柏林1902年至1968年科隆）
艾因海因，1953年，签名，注明日期为Nay 53，并再次签名，标题为，注明日期为Nay Ein海因，油画，背面深色，100 x 120厘米，框架

出处：
加莱里·根瑟·弗兰克，慕尼黑（1953年）
私人收藏，德国

文学：奥雷尔·舍伊布勒、恩斯特·威廉·纳伊、恩斯特·威廉·纳伊、维尔克韦泽尼·德奥马尔德、科尔兰1990年，第2卷第670号，彩色无花果。
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在线作品目录：

www.ewnay.de/werkverzeichnis.html

图像必须有图形。图形是一种发明，是表面的发明形式。创造图形是艺术家享受的自由，也是观众的自由。“
纳伊1954

在恩斯特·威廉·纳伊的作品中，1953年的作品埃因萨姆农·冯属于节奏意象阶段。恩斯特·威廉·纳伊生于1902年，属于一代艺术家，他们的作品从战前的具象作品，到战争期间对艺术的剥夺，再到抽象艺术。他能够将他精心构建的绘画理论转化为一种巧妙的自由色彩环境。对他来说，创造性理论从来不是束缚，但是一个用于“制作”图像的监管和控制系统——“图像来自图像”（Nay 196）

20世纪40年代和50年代，恩斯特·威廉·内（Ernst Wilhelm Nay）早期的洛弗滕（Lofoten）和赫卡特（Hecate）绘画仍然进入表现主义超现实主义绘画领域，具象性绘画越来越多地被推到背景中，以支持纯色的表达。1951年，恩斯特·威廉·内（Ernst Wilhelm Nay）从陶努斯（Taunus）农村搬到了科隆（Cologne），科隆处于重建和乐观的状态，最终使他从所有的具象绘画形式中解放出来。br>
从1952年开始，构图原则在包括和声在内的一系列有节奏的画面中处于最前沿。这一系列的运动节奏以较小的、孤立的和相关的基本颜色形式表达，这些颜色由黑线结构以触觉的方式播放。原色蓝色、黄色和红色构成序曲，在画面左上三分之一处和谐。表面上点缀的红色椭圆形与冷绿色相交，冷绿色通过中间的黑点与两个深蓝色形状相连。连续的黑线结构强调了这种联系。金色赭石是冷色和暖色的连接元素，将各个形状和颜色元素连接在一起。黑色表面上的小比例白线形式会导致构图出现短暂的干扰，类似于音乐中的断奏。通过与古典音乐和进步音乐的紧密接触，即兴元素继续退居幕后，通过严格的作曲，令人震惊的放松发生了。《色彩的完形价值》是纳伊1955年理论宣言的标题，在他的韵律意象中起着决定性的作用。Nay设置的第一个颜色点使表面变得粗糙，当添加第二个点时，颜色的虚幻值变得可见。关于他在50年代初的作品，纳伊1955在他的宣言中写道：“冷暖的脸以3:2的比例面对对方。。。。整个颜色表面的平衡是通过抓住并交叉颜色来实现的。创建颜色组合。\"

材质 :1000 hand painted plastic figures on a thread (scale 1/87th) 尺寸 :303 × 2 cm Sculpture

2015年按创作时期划分的西方艺术市场拍卖结果：5%的老大师、12%的19世纪、47%的现代、25%的战后、11%的当代艺术\\”（2016）-盖伊·莱蒙(French, b. 1958)

英文名称:The outcome of western art market auctions by period of creations in 2015: 5% Old Masters, 12% 19th century, 47% Modern, 25% Post-war, 11% Contemporary art\\\" (2016)-Guy Limone

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战后与当代艺术-

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（斯特鲁尔维杰拉姆，1914年至1973年奥胡斯）
里特拉托·库里奥佐，1972年，签名和日期为72，青铜，52；x；26；x；22；cm

这座雕塑是约恩博物馆档案馆已知的两个标本之一。br>
我们要感谢乔恩博物馆的卢卡斯·哈伯科恩，感谢他对这部作品编目的热情支持。

文献：
米切利先生，乔恩·斯库托，詹帕洛·普雷拉罗主编，米兰1973年，第8号，图

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奥托·皮恩战后与当代艺术I-

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（巴德·拉斯菲1928年至2014年柏林）
“1976年4月之后”，背面标题为O Piene 76，油画、颜料和油画上的火，100 x 100厘米，镶框
出处：
佳士得伦敦，1。1988年12月，瑞士洛斯814私人收藏

一个激进的新开端的想法，进入未知的艺术、技术和精神领域，这些主题决定了皮恩近60年的作品。Piene–这当然也是ZERO，他与海因茨·麦克在杜塞尔多夫（Düsseldorf）成立了一个传奇的艺术家团体，不久之后，Günther Uecker加入了该团体。ZERO代表火箭倒数计时的数量，代表战后德国的零小时，代表星星到达的距离。

br>“对于杜布费特和塔皮一代人来说，对于我们之前的整整一代人来说，战争是决定性的经历：土地、物质、沙子，Piene 196向艺术评论家Wieland Schmied解释说，“粘土意味着在土洞、壕沟、庇护所中的避难所，是战争可怕威胁中的最后一处住所。”。这一创伤印记不再适用于皮恩，她出生于1928年，16岁时应征入伍，在慕尼黑学习艺术，然后在杜塞尔多夫学习，直到1953年。在很短的时间内，零艺术家形成了一个国际网络，伊夫·克莱因、卢西奥·丰塔和还有吉恩·廷格利。Piene想走得更高：“我们决定性的经历是一个梦想天文、宇航员冒险的时代，在这个时代，人类能够离开地球，克服地心引力。我们对光感兴趣，对火感兴趣，对气流感兴趣，对无限的可能性感兴趣，对更好的，为了回应快速反应和非正式的心理动作，皮恩开发了一种全新的技术。对他来说，“旧世界”的图像配备了像盔甲一样的“重框架”，观众因此“被迫进入其中”。他的画应该没有这些障碍，“过去的压舱物，精神的颠簸。”。“
古老的，这是皮恩的黑暗：“我照亮它，使它透明，我消除它的恐惧，我使它成为一个力量的房间，像我的身体一样被呼吸所感动，我吸走烟雾，使它能够飞翔。”他从1959年开始制作的电影令人眼花缭乱，闪闪发光，充满活力。它们是“机械地”创作出来的画布上没有笔触，只有油漆或烟雾流过硬纸板或金属制成的手工穿孔网格屏幕。在这个过程中形成的星座让人想起空间图像、原子和恒星，但也让人想起计算机的孔图。
对皮恩来说，这幅画变成了一个“振动场，一种外观”。从他的“烟雾画”中，他很快发展出了“火焰画”，他在画布上燃烧颜料。形成的气泡和外壳赋予圆形构图一种奇怪的深度，某种炼金术。
（摘自：德意志岸边-ArtMag-82）

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杰森·马丁战后与当代艺术I-

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（伦敦1970年geb）
Ghost，2008，背面签名、注明日期、标题，并表示J.Martin 08，《铝上的油》，225；x；150；x；10厘米

出处：
萨尔茨堡的Galerie Ropac
私人收藏，北莱茵-威斯特伐利亚，2008年在那里收购

油画是杰森·马丁作品中三维主题的媒介和基本组成部分。最传统的画家媒介在艺术家的作品中获得了一种全新的表达方式，他将自己的作品集中在油画的纯物理性质上。他将光滑、粘稠、固体和液体的油漆推拉到铝载体材料上，从而赋予绘画材料一种糊状和雕塑感。大多数情况下，Jason Martin会使用各种浓度和混合比例的罂粟油与颜料结合，根据需要精确调整油漆的粘度。杰森·马丁（Jason Martin）用沉重的impasto来展示颜料的质感，在《幽灵》（the Ghost）中，他用梳子刮刀将深黑色、紫色和红色的膏状油画条状地涂上，以遵循铝载体的钻石形状。在油画的线条、尖端和凹槽中，光线以这样一种方式折射，鬼魂似乎在观看者眼前不断变化，雕塑形式和颜色也在不断变化。用杰森·马丁的话说，这些都是他不断尝试“用短暂的印记打造一座纪念碑”。
绘画和雕塑这两个术语通过他的作品融合成一个不可分割的元素。

（原文：www.lissongallery.com/experiments/jason martin--5）

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阿尔贝托·布里战后与当代艺术-

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（卡斯特罗城/佩鲁贾1915-1995尼斯）
Nero Celotex，1991年，Celotex上的丙烯酸和Vinavil，54；x；74厘米，镶框这件作品在阿尔比齐尼宫基金会注册。包括照片证书

出处：
萨蓬画廊，意大利尼斯
私人收藏
欧洲私人收藏
展览：
伯里博洛尼亚。Celtex ha un cuore antico，Sapone Arte Fiera画廊，27.——31.2005年1月，展览-猫。S.44、17、45和图。，53

文学：
b.科拉，布里。总目录。皮图拉1979年至1994年，第三卷，阿尔比齐尼宫学院，卡斯特罗城，2015年，第303页，第2199号（i.9149），图在Combustioni（燃烧）、Ferri（铁）、Legni（木材）和Celotex系列中，自然和人工材料的表现效果继续存在，由于Burri本人创造的腐烂迹象，这些材料显得栩栩如生。Burri最新作品的纤维板最早于20世纪20年代在美国制造。Celotex是作为隔热板和隔音板生产的，最初是用压榨后的甘蔗渣制成的。后来，Celotex由多种有机物质制成，包括树皮、草、大麻和花生壳。正是这个作品的表面成为艺术家行动的场所，艺术家的工作和研究的场所；一个拒绝传统艺术方法并引入新技术方法以达到更高表达强度的地方。在使用黄麻、铁、粘土、木材和烧焦的塑料后，Burri从20世纪70年代开始使用木屑和胶水的糊状混合物：一种材料，通常在工业上用于建筑工程中的隔热，在那之前，他经常将其用作他的工作的底漆……他现在对其进行雕刻、刮擦和标记。

艺术评论家弗朗西斯科·博纳米解释说：“他从不谈论事物，只谈论材料。重要的艺术史学家朱利奥·卡洛·阿甘写道：“如果你看一头驴，你就看不到一头摩兰迪……”从某种意义上说，伯里看到的是莫兰迪看着瓶子的玻璃作为一名医生，他检查皮肤表面、皮肤、毛孔、头发，是一名皮肤病专家。“他像皮肤科医生一样处理他的celotex，分析它的一致性，切断它，一层一层地揭示它最亲密的秘密。

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欧文·沃姆战后与当代艺术I-

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（布鲁克/穆尔1954年）
小母亲，2016年，玻璃（无色），在E.Wurm底座上签名，编号为AP 1/3 2016，H:38,5厘米

出处：
私人收藏，维也纳


“很多人误解了我的作品”，你曾经抱怨过。
br>“你认为这与身体或这个和那个物体有关，但不是：我主要关心的是环境。“很多人觉得你的艺术很奇怪，你对此有多痛苦？”？当作品被缩短时，我很恼火。我意识到我的艺术门槛很低。你走进一个博物馆，看到一辆大轿车，然后想：哈哈，真有趣。不幸的是，许多人并没有超越这第一个冲动，但幽默形式的批评比用木槌批评更具颠覆性。马库斯·加布里埃尔（Markus Gabriel）写道：“在我们晚期资本主义民主社会中，意识形态批评的恰当形式不是悲剧，而是喜剧。“我也这么看。”Erwin Wurm接受了托拜厄斯·哈伯尔（Tobias Haberl，Süddeutsche Zeitung Magazin，18岁）的采访。2016年11月

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朱利耶·奈弗战后与当代艺术I-

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（奥西耶克1924年至2004年巴黎）
无标题，1973年，背面签名、注明日期和标记，帆布压克力，90；x；131厘米，借助艺术家画框，我们感谢Galerie Frank Elbaz和Galerija Gregor Podnar确认了这件作品的真实性来源：欧洲私人收藏（直接从艺术家手中获得）

Knifer在早期草图中首先从概念上解决了弯曲，在他开始画图案之前。他毕生致力于这种简单的形式，以及他对执行过程中的缺席、减少和完美的研究表明，一位艺术家在绘画过程中找到了冥想的表达方式。与卡瓦拉的日期画类似，奈弗在他的作品中使用了一个单一的主题，捕捉到了永恒的存在和最纯粹、最简单的形式的重复，这些形式隐藏着他的作品散发出的平静和美丽。span>